主流電影的開場（三）：空拍城市的意含

在這個園地，我們強調許多次，每個鏡頭都不是隨便拍隨便剪接，或是主觀意識認為要這樣拍這樣剪，沒有這個道理。重點是每個鏡頭都有意義，影片的銜接都有章法，不是你想從左拍到右，從上拍到下，想怎樣就怎樣。當然你到了現場要是知道怎麼拍，就已經不錯了，如果是學生電影，幾個人一起指導，一定會為要怎麼拍一個鏡頭傷腦筋，或是彼此不服，心生怨恨。我們不是恥笑學生作品，就算是職業的導演，有時往往會為了下一個鏡頭傷透了腦筋。試著問問自己是不是經常出現這樣的困局，也是因為不知道怎麼辦，往往害怕不敢接案子，或沒有信心，有時工作人員一時無意的話，就氣了老半天。如果你拍片時遇到上述情況，那麼我們就可以往下談，表示你也會有興趣去理解這裡面精彩的地方。我們這篇文章來談談主流電影開場常會看到的一種方式，也就是用空拍城市或鄉村做為第一個鏡頭和開場。我們每篇文章都希望大家多思考，那我就先問了，那是什麼意思？如果你知道意思，那麼背後又有什麼樣的意義？我們可以先想想，在說明這件事情之前，我先來說一個自己的故事，這樣也許你比較能夠理解，鏡頭語言的意義。我以前有個機會接到最高單位的案子，其中的一個任務是訪問波蘭前總統華勒沙。約好時間的當天一大早，我們就先到了他們在團結工聯經常開會的地方，是一座教堂，叫做St. Mary。故事的背景是當時團結工聯企圖推翻共產執政，他們躲在教堂的庇護之下祕密開會。我們這個大案子基本上等於是從波蘭開鏡的，除了攝影師很熟之外，其他製片、攝助、研究員都沒有合作過，他們也不明白為什麼找到我這個默默無名的人。攝影師機器架了就準備拍了，大家這時候都在看我，好了，如果你是我，要怎麼處理這個場面，你要怎麼拍，拍什麼才是對的鏡頭。通常業界的處理方式就是反正找到好構圖，光線陰影比例掌握得宜，各種角度都拍，或是多拍，回去再剪。這樣並不是不對，只是沒有掌握到重點。我的工作習慣是如果是自己拍，我架著機器就自己來，如果有製作團隊和攝影師，我一定會把要拍什麼鏡頭，為什麼要這樣拍，說明給在場的人知道，特別是攝影師。攝影師也就有思考的機會，如果他提出質疑，這樣也有更多的討論空間。回到St. Mary教堂的現場，大家都在等我講話，這種場面原本是緊張的，但是如果你知道影像好玩的地方，就不會怪我心裡面正在偷笑。我告訴攝影師說，你要怎麼拍都可以，但是一定要有一個畫面，因為當時他們都在教堂裡面開會，外面一定到處都有人監視，他們躲在裡面可想而知，壓力一定非常的大，所以我們的鏡頭就是要給他壓力，我們雖然不要用zoom，但是因為沒有軌道，只好慢慢從外推到教堂裡。好了，我說明完了之後，看著製片臉露微笑鬆口氣，除了攝影師及助理認真拍之外，我們就形同解散各自去拍照去了。如果你理解我說這個故事的意思，那麼我們就言歸正傳，來談談開場如果是空拍一個城市，目的是什麼。
1990年Gena Davis 和 Bill Murray主演的電影Quick Change，Bill Murray扮演小丑，三個人用智慧謀略成功的搶劫了紐約的銀行。他們正高興的想帶著錢遠走高飛的時候，一連串的突發事件，感覺他們插翅也難飛越過紐約市。影片的開場正是用紐約的空拍街景，表示著其實影片一開始就告訴了觀眾，這個故事在紐約發生，絕對不會離開這個城市，因為他使用的鏡頭語言就是空拍，他的意思就是從上往下給匡住的意思。近幾年好萊塢的電影The Shop Girl，開場是洛杉磯空拍的夜景，這個故事也不會離開洛杉磯。那你也許會問，有沒有例外？我只能說如果是主流電影，不會有例外，如果故事離開這個城市，就不能用這種方式開場。這種空拍城市的開場因為二線電影經常在用，所以通常我們看到這樣的鏡頭，說明影片有九成的比例是個爛片，這種電影就不要浪費時間繼續看下去了。原因是什麼？這就是我特別想開闢這個園地的意思，希望有更多的思惟去表現不同的影像詮釋，原因是影像所能呈現的方式，應該遠遠不只這些，可是因為思惟上的關係，我們往往很難突破書上或老師教的方式。因此這種空拍開場了無新意，既然一開始就沒有創造力，也不必期望故事能有多好。至於怎麼樣的開場，一看就知道是好片，這個問題可以想一想，我們再找時間聊聊。
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構成一部好影片的唯一要素

台灣近日來，電影大片紛紛預告強檔上映，感受的到新銳電影將在國片市場搶占佔有率，主流性質的電影終於慢慢躍上台面，這個奠基電影工業的決定，台灣早就該做，可惜多年前決策把握在少數人手中，致使電影的發展少了厚植的力量。現在雖然有起色，但大家都知道，離目標還很遠。當然從業人員很多，要有一定的能力、勇氣和機會，才能成為大片的導演，這是許多人的夢想，這些成功的大導演，也在間接的鼓勵有電影夢的後輩前進。至於電影規模小的導演，或是一片導演也是不容易，但問題是內行的人都知道這種機會是怎麼來的，因此也不見得人人都適合去從事電影工作。不管是什麼樣的影片，都是電影概念的延伸，如果沒有機會去拍大的電影，規模小的影片也同樣是一部片，可以滿足製作影片的企圖。而我們不能說沒有拍成大電影，做出來的影片就不是好影片。大電影也有不算優的電影，而且製作大電影的人還不見得真正懂電影，就算他是科班出生，如果沒有強烈的思考性，就會局限於書本影片上的知識，何況電影的教科書，不管是劇情片和紀錄片，所教的內容有不少是錯的，意思是就算學成，也會拍錯。我們每篇文章基本上強調思考，也引導大家去思考。那麼大電影就算錢多、製作人員多、畫質高，拍出來還不見得是好電影，可見構成一部好電影或是好影片的關鍵，不在於錢、不在於畫質，甚至不在於人。你會說好的片子人很重要，像是這些大導演來指導，水準就不同。關於構成好影片的要素，我們當然不能否定上述要件，只是這些都不是最重要的。如果說只有這些知名導演才可做出好片，那麼這麼多的電影、電視、影音網站也不用玩了，只要他們做才行，這就說不通了。如果你知道影片的精妙處，加之以好的基本功、不斷的實務練習和習慣性的思考，人人可以成為優秀的導演。問題就在我剛剛說的每件事情都不容易，但是影像的從業人員越來越多，也就越需要知道製作影片的技巧和訣竅。那麼也許你會問製作一部好影片，從劇本開始，就是一個好故事，然後好的製作人加上好的導演組、攝影組、美術組、好演員等，就可以完成一部好片。沒錯，我們不能否認與忽視，但是這並不是最重要的條件。不管你有沒有機會拍大電影、小規模製作電影、電視、或任何video，劇情片、紀錄片，其實只要把握住關鍵點，就會是一部好影片。構成一部好影片的唯一要素就是：影片含有人生哲理。不管影片拍攝的好壞、剪的如何，只要有人生意涵，觀眾都能感受的到，就算技法很差，他還是一部值得觀賞與審思的影片。影片的故事，多半是製作者對人生的體悟，透過影像工具表達出來而已，而這種人生的體會，會傳達與穿透人類對事物共同的體會，也就是說，這樣的影像敘述，一定會有許多心靈相契的知音。
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從事影像工作不需要100%的努力，而是需要300%

如果光看到標題，你就知道我在說什麼了，那已經是能力高超，也可能是這個行業的前輩，先在這裡致意。這個像是老爸教訓兒子的題目，相信沒什麼人有興趣看。其實從事影像工作的人自我要求不同，有人會認為只要能把影像做出來就好了，幹嘛一定要創意，就算沒創意也是一個作品，有創意也是一個作品，差別不大。以前在美國讀研究所，拿TA的獎學金，必須每週要花10個小時教大學部的學生。有一個學期教聲音的剪接，那時還是用影片光學聲帶的剪輯方式。我們是6人一小班，一個大班分成幾個小班，每次學生會輪流過來。記得有一個班來上課，我先講解了怎麼做，然後就叫他們實際操作，把教材上雜亂的聲音剪接成一個故事，我在旁邊看著並個別解答。一段時間之後，突然聽到這個小班年紀較大的女學生痛哭失聲，我和其他的同學彼此互看，都不知道發生了什麼事。我也想看看美國人怎麼處理這樣的事情。其他五個的學生，一年級的關係，差不多18、19歲的模樣，這個哭泣的女孩大約有25、26，老成一些，在一旁的同學手搭在她的肩上，大家都放下手邊的工作，耐心等著她哭完。等這位同學稍微平靜了之後，一旁的同學問她為什麼哭？她說了很重要的話：長這麼大，從來沒有做完一件事，而且能讓自己滿意。我在一旁聽著，我那時都快30了，我也沒有啊。這種能夠剪出一段聲音的故事，馬上就能感受到自己努力的成績，震撼自己柔弱的心靈，流露出感性的情感。重要的是，要完成一件作品都很難了，還要奢談創作，這種軟實力難以衡量，但是最後還是展現實力在作品上，影響力可能比起以前更為驚人。影像的努力，將目標定在100，會因為實際執行的能力會有打折，而且是大打折扣。一個作品如果是60分及格，目標定在100，實際完成就三成，所以得到的分數就是30分，作品一定不及格，這就是我們看到的影像作品，實際的情況。那你會說我們多努力一點，至少搞到及格，還可以勉強過關，這個說法顯示實務經驗不足。我們先來問一個問題，你有印象那個作品可以打滿分的？有，還蠻多的，不過那都是大師中的大師作品，也沒什麼人看過。既然沒什麼滿分的作品，顯示許多作品介於60至90分之間，問題是他們難道不想做到滿分嗎？當然大家都想做到，可是就偏偏做不到。如果做不到，將目標定高一些，再打折，你會越來越接近及格的邊緣。什麼叫目標定高一些？這就是我們部落格一直在強調的觀念：遠遠的地方，還有另一個境界。我們將逐步的探討什麼是另一個境界。至於為什麼功力只能最多到三成，而不是40%或50%，為什麼是300%？這就是我最前面說的，如果你真的看的懂標題，那是厲害的人物。為什麼厲害？因為可以破解“3”這個數字在影像運用上的奧妙，在此要賣關子，目的是希望大家去思考這個問題：3究竟是什麼意思？然後我會借著其他的文章，回頭再說明其中的奧妙。
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創意工作的第一要件：不要怕No fear

堂姪女日前從美國隨父母特地過來看我，18年前她還小的時候見過她，一晃眼，她現在已經在加州擔任廣告公司的Art Director，是我們家族中唯一和我一樣，從事有關視覺創意方面的工作。我知道創意工作含著人生寶貴的經驗，我這種後知後覺的人體驗的晚，也許許多人年紀小就有非凡的體會，並且能夠把這種感受運用在工作上。短暫的相處儘管有許多話想說，不過初次見面，我想的到唯一可以告訴她的話題是：我們做這種創意工作的人，首先就是不要怕。
有時候我確實會想，認識像我這樣的人，究竟是幸還是不幸。我有幸和幾個優秀的導演一起工作多年，好多年前我們接了一個案子，需要多一位導演完成另一個片子，因此我們都想到和我們配合多年的攝影師，希望他來擔任這個工作。記得是在火車上，我們向他共同提出這個想法，沒想到他的回答卻是，如果他當導演，怎麼和我們幾個比！所以他婉拒了，儘管我們苦口婆心，還是沒辦法改變他的想法。這讓我想到第一次接受芬蘭觀光局的邀請去北極圈拍攝，回來後我的組員一直怪我這麼好的機會，為什麼是我寫稿，而不是去找張大春、吳念真。我從事這個工作，從來就沒想過要跟誰比，為什麼要跟人比，或是說為什麼就一定要參加比賽。能夠跟自己比就不錯了，之後就是不斷的超越自己，人外有人天外有天，比都比不完，所以為什麼要比？當然擁有了一定的勇氣，而去面對比賽，還是正面值得鼓勵的。說了這麼多，你會發現問題究竟在那裡，為什麼有了機會，卻輕易的放棄。原因其實就是兩個字：害怕。創作是一件很困難的事，沒人敢輕言簡單。就算再有經驗的導演，面對全新的題材和故事，都是在創作的臨界點面對著底下深不見底的懸崕，要嗎靈感一來就躍過了，要嗎，等一下也會躍過的，只有歷練不夠驕傲夠大的導演，才有機會跌入谷底。當然問題還是回到原點，沒有人會自認歷練不夠或驕傲夠大，所以也不會有人跌入谷底。我們這個行業也不必自己騙自己，要完成一件影像成品，還不是影像作品都很難了，還去奢望創意構想。主要的問題就是這個行業的普遍現象，沒有太多人有這個習慣，就是不斷的思考怎麼把作品做的更好，怎麼突破自己！大家面對的第一個關卡就是自己，也就是心裡產生畏懼與懷疑，到底自己行不行。我以前曾經寫過一首詩，是在講又過一個年，不是害怕年紀增長，而是怕機會一個個消失。每個人其實在人生中都會有大好的機會，我們也因為害怕，機會就此而過。創意的工作就是要有信念，相信自己一定能夠找到好的構想，不要害怕，或是說絕對不要退縮，或是說害怕這兩個字只有在字典裡有，在心裡面沒有，不過前提還是，你的工夫越扎實，將來可塑的創意原料將越豐富越特別，當然練工夫還是一步步來，我們有機會再更進一步討論與說明。
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主流電影的開場（二）：第一個鏡頭

從事影像創意工作，不管是劇情片或是非劇情片，怎麼樣開始說ㄧ個故事，是最麻煩的一件事。事情還不只是說個人的想像力問題，有時也有現實面的困擾，比如說你有想法了，但就是沒有畫面，接下來team的人就彼此怪罪，再想辦法彌補。這樣的作為，只能說遇事不明，無法理解影像的奧妙和關鍵因素。以紀錄片來說，你看到的是職場上一堆拿攝影機的人跑來跑去，緊張兮兮的深怕搶不到鏡頭，或是錯過畫面。事情真的是這樣嗎？這樣其實曲解了紀錄片的本意。我們為什麼要記錄，又要記錄什麼？如果能夠清楚的解答這個問題，許多的拍攝方式，或是說故事的方式，才是適當的。我們在這裡一再的強調，影片不是主觀意識構成的，電影的每個鏡頭都有意義也可以說明的很清楚。就劇情片的開場也是一樣，不是妙筆生花神來一筆就好，他是有章法講技巧的。

不管你是不是精於電影，在現在資訊太超過的時代，你看到不合意就轉台，或是關掉網頁，另找一個新網址，所以影像特別強調要吸引人，而且吸引人一直看下去。問題又回來了，怎麼樣做才可以吸引人繼續看下去？我想全部的電影電子媒體或視覺科技公司，都在找答案，找到了答案，還想找更新的答案。你會說這很容易，我們就從第一個畫面，第一個場景，每個都好好構思好好經營，就有觀眾繼續會看我們的影片。如果你知道實際職場的狀況，就不會這麼樂觀了。前一陣子新的電子媒體試做一部紀錄片，半年下來換了整整兩批人，就是做不出來。我們這一行其實就是手工業，成品是一針一線打造出來的，不是拿著仙女棒，手指一拍，畫面就出來。怪就怪在這一行拿仙女棒的比較多，拿針線的很少，就算手中拿針線，他還以為自己拿著仙女棒，只能說影像被歸類娛樂事業，走進來的人都曾經被絢麗迷惘過，但實際上就是建築工人，必須一磚一瓦慢慢從底層蓋起，而且同時是肉體與精神上雙重煎熬。因此實際上拍片並沒有想像中浪漫，但是如果你還停留在拍片剪片想破頭的煎熬，我還是要說，還沒有到一窺影像奧妙的階段，那麼現實煎熬的磨練，我還是認為有必要。我們再回來說，難道我們不是從第一個畫面就好好拍好好剪，呈現給觀眾嗎？理論上是如此，但是你有印象，那一部紀錄片的第一個畫面就讓你印象深刻的嗎？我所看到的片子大都不會讓我有印象，只會讓我覺得捏一把冷汗。

不管你是不是精於電影，影片的好壞確實就取決於第一個鏡頭。我不認為職場的人知道這個道理，不管你是不是精於電影，否則你不會看到一堆紀錄片的開場，不是由一堆人的簡短訪問串成，不然就是西元幾年開始，完全不知道怎麼樣開始一個故事。當然業界的朋友看到的話，一定很刺眼，我當然知道這個行業誰也不服誰，最後誰才是真理？答案自然是官大的人，誰掌握權力，誰就用那套標準，這種文化，註定還是幾輩子淪為文化奴才。我們這個園地，是提供廣義的思考面向，不必相信任何對影像的看法，也不要相信官特別大的人，他不是定律，只有透過思考，才能知道影像更高的境界在那裡。

我們前文提到過序場主要的功能就是營造氛圍和確立影片基調，那麼做為序場的第一個鏡頭自然要有上述的功能，當然還必須潛藏更多的符碼。首先，第一個鏡頭要非常的好，也就是全片最好的畫面應該在第一個鏡頭，而不是鋪陳之後放在高潮處。為什麼如此？如果你有機會和一些人一起去到同一個地點拍照，相信大家都有這樣的經驗，得出來的照片天差地遠。問題就在於你對影像的掌握功力究竟練到了三袋弟子或是九袋長老，還是可以拿打狗棒的幫主。影片團隊的功力就表現在畫面上，透過第一個鏡頭就知道功力深淺如何。就算同一個工作團隊，拍攝出來的畫面也可以細分優劣，大如電影，演員功力、導演手法，每個場面都分得出優劣點，有時連導演也深陷其中，並不能窺出細節與奧妙。當然所謂好的畫面並不是天馬行空，將什麼有如香格里拉的畫面就放在前面，風馬牛不相及。因此，所謂的第一個鏡頭，當然要蒙太奇去接第二個鏡頭，要有故事的文本文化意含、頭尾呼應的考量，主角人物預備出場的鋪陳，整體來說，第一個鏡頭已經可以嗅出導演故事的核心、圍繞的主題和準備故事的進展。所以說第一個鏡頭一點都不單純，有著極大的使命。做新聞有所謂開頭的黃金五秒說，千萬不要相信這種話，有誰規定要怎麼開場？如果影片通通是五秒開場，這種千篇一律的方式，誰會看？影片自我設限，沒有驚奇之處，還能說是影片嗎？誰又規定新聞一定要這樣報導？如果有機會去看看法國人怎麼做新聞，或是德國怎麼搭攝影棚，就會知道能夠思考是一件多麼美好的事了。好了，相信你已經可以多點思考想像了，那麼問題是，就憑一個鏡頭就要傳承故事的文化符碼，還有什麼主題、故事的進展、導演的企圖心等等，可能嗎？這樣是不是天方夜譚？我們再思考一次，影片是許多畫面相加的效果，怎麼是單一畫面可以說明一切？我這樣寫，也在引導你思考，答案其實已經說出來了，我們就再想想！！！
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創意僅僅是一種習慣

我自己是非常感慨身邊一些優秀的影像創作或是導演，轉而去做那些他們可以輕鬆勝任的工作。我了解人生中到達了某個階段，是會喊累的。當年苦口婆心勸這些不可多得的人才，不要輕易離開創作的軌道。雖然他們認為其實還在這個領域，並沒有離開。然而我覺得他們其實並不了解，創作是一種習慣，這種習慣是在一個軌道上，他不會像火車一樣，經過交叉鐵軌，過了一陣子又會回到原來的軌道。 我自己就有深刻的體會。當時年紀輕輕學完電影回國，就覺得自己有一身的本事。腦子只想只要多賺一點錢，就可以拍紀錄片了。將近二十年前，當時設定的目標是一年多賺三十萬，然後花個三、五年拍一部片子。沒有多久一次偶然的機會，電影界的朋友要合開一家貿易公司，覺得機會來到，可以實現拍片夢想。那時剛好柯達公司每年宴請留美學電影的學生，我在會上意氣風發的宣佈我的決定。大家知道電影苦哈哈，替我的決定感到高興。現在回想起來，大家並不了解我，所以沒人制止我做這件事，或是根本和我就不熟，也懶得跟我說，畢竟沒有人想當壞人。公司因合作的關係，很快的在半年就垮了，為了還債，就替遠房的親戚做傢具進口，一晃就三年。這三年期間，我想過拍片的事，但是精力花費過多在工作上，越來越發覺，沒有在影像的環境上，沒什麼想法，就開始偷懶了。一直到自己發現不是做生意的料，為什麼不回來做自己最在行的工作，或是說自小培養了這麼久，我也只會做有關於影像的工作．回來業界後，我對當時選擇離開，有更多的體會。 創作真是不容易的事，對現在電視與紀錄片生態，其實大部分不應該稱作是影像創作。然影像作品要做出來都很不容易了，大部分的同行都會認為自己做出來的就是作品，絕對跟創作有關，其實這種界定只是自己說給自己聽的。這些活生生在社會上的素材，只是花時間去拍攝，用我的話叫“採集”，然後把素材整理一番，這嚴格來講，不叫影像創作，除非是在製作過程中別有巧思。我這樣講會令很多人失望，但是我們必須面對事實。你會說我們去拍攝當然是現實的題材，我們把素材拍回來，整理做出一個片子，何罪之有？問題本身取決於作者的態度。以前我們一組人馬共五位導演，後來有人告訴我，其中的一位導演總是半夜偷偷打開我們的櫃子，看看我們是怎麼剪這次任務的片子，他才開始工作。我們聽聽都笑了，不過還是決定把櫃子鎖起來。我笑的原因是，還真是偷懶，連花腦子去想點事情都不肯，日後如果還做這個工作，有得苦頭吃。對業界一般所呈現的影片，我自然有話要說，其實就是偷懶。通常是這樣做做就好了，自己能力不足努力不夠，還怪說怕觀眾看不懂。特別是公部門和電視台普遍的愚民政策，如果有知的觀眾，早就遠離這種荒謬的媒體。我們的電視為什麼要做一般化的節目？原因很簡單，因為視界一般，做出來也就一般。要去想破頭，做出很不一般的作品，沒有人承認那不難。很多人其實也想做出點成績來，但強烈的受限於技法，或者是傳統影像的框架，很難自我突破。我們看到很多的例子，周圍的朋友想用力擠出點不一樣的東西，最後還是必須妥協於知識上的不足，交出一個其實誰做都一樣的作品。創作是必須要在一個特定的環境裡，思考怎麼做可以做的更好。剛開始的時候，不是別人給你壓力，要不然就是自己給自己壓力。在影像上不斷的去想，怎麼做可以突破自己。那需要一段很久的時間自我焠鍊，熬的過來的人，那龐大的收穫，完全屬於自己，最後將其貢獻出來，又能有益於這個社會。
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主流電影的開場（一）：序場

沒有任何一個規則去規定一部影片要怎麼開場。你想怎麼做，通常都可以照你的意思去進行。只不過影片的發展由電影開端，所有的影片敘事方式就是以電影為依歸。而電影這個在短短的100分鐘要講一個動人的故事，或是某人一輩子的故事，必須畫面用的精簡，而且每場戲可以繼續推動故事前進。而每場戲就是由每個畫面銜接起來，以致於每個畫面都有其意義。我們如果更仔細的看待，其實電影的發展，每個畫面都帶有符碼，受過一定的訓練，可以解開每個畫面的謎題。當然受過電影理論或傳播語言學，同樣可以解這個符碼。我們現在談的影像概念，有更多從影片製作的觀點出發。 英文劇本和中文劇本說故事都一樣，但格式語法卻不同。當然中文劇本是學習西方，然後從東洋那邊模仿的格式。有些英文劇本的妙處在中文劇本看不到。比如說撰寫英文演員口白每行的長度，是每行8~10個字，目的是這樣的長度，演員方便背誦。中文不管，稿子從頭寫到尾，少了演員目視的立場。 說起來劇本也不一定非按傳統的方式編寫，只是約定成俗，大家看習慣就好。你如果仔細研究，不見得合理，只能等革命。然而英文劇本沒有的，中文劇本卻有，那就是序場。這是中文劇本可以發揮的特殊情況。 序場是什麼意思？和開場有什麼不同？我說過沒有人規定劇本怎麼寫，但是有些方式是可以把一件紛亂的事情說清楚，講的精簡明白。我們寫劇本，通常可以從場ㄧ開始寫起，這沒什麼問題，場一的目的是什麼？當然是要銜接場二。如果我們界定並增加序場，或是說運用序場，用以承接場一，這樣就清楚明白了。 至於為什麼不是場一開始，而非要有一個序場呢？這跟電影的特殊功能有關。從這裡我們再仔細思考，其他的影片是不是可以同步辦理。所謂電影的特殊功能就是，你必須設想你是影片製作的人或是導演，然後想想電影院的特殊環境為何？那是一個黑暗的密閉室內，人坐定後無論心情和眼睛都無法適應馬上變換的環境，需要一點時間。就算看過廣告，以前還唱過國歌，影片正片開始的時候，也是需要一點時間進入狀況。因此所謂序場的首要功能就是營造氣氛、營造一個觀眾可以進入主題故事的氛圍。 好萊塢主流電影約定成俗的開場就是credit：片名、演員、以及主要工作人員字幕的出現。這些字幕可以單獨出現，可以壓在螢幕上出現，可以變換方式出現，稍後出現，或是片尾才出現，但是絕對沒有不出現的情形。我們這裡所講的序場是前三者的情況，也就是在一開始就出現的情形。主流電影的發展，在一開始字幕的出現，就已經暗藏符碼，字幕出現的方式都是一門學問與技巧，然而觀眾看得懂看不懂卻不重要，原因是那些不是電影製作者最想傳達的訊息。因此序場除了營造氣氛之外，另一個重要的功能就是確定電影基調。這個基調可以透過演員和工作人員字幕單獨來表現，也可以透過字幕與螢幕的關係表現出來，端賴影片的故事要用什麼樣的手法來傳達。我們將抽絲剝繭，談談這其中的奧妙處。 
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